MEL | Project space in Porto | fourth event
Inauguração 17 de maio
das 16h00 às 20h00
EARLYMADE CEDOFEITA
Rua do Rosário 235, 4050-524 Porto
MEL — um projeto colaborativo da Monitor, EARLYMADE Cedofeita e Lehmann — tem o prazer de apresentar o seu quarto evento, com Daniel V. Melim (Coimbra, Portugal, 1982) e Lucía Vallejo Garay (Bilbau, Espanha, 1975).
VITRINE
A leveza da suspensão implica estar sob o jugo da gravidade, que nos trata a todos da mesma maneira. O ar prolonga-se e os objetos nivelam-se, e tudo é colocado sobre a mesma força e regras, o que nem sempre acontece, nem mesmo quando somos nós sob o nosso próprio jugo.
Ter dois pesos e duas medidas é justamente o contrário, é deitar fora a imparcialidade, as regras, e criar diferenças onde estas não existiriam. Pegar num binómio e colocar os seus elementos em contraste para ver como se pode desenvolver a competição, se pela escala, se por uma determinada leveza moral ou qualquer outro determinante, e ver quem ganhará, David ou Golias.
Surge então uma oportunidade de analisar, em nós, quem é o atacante e quem tenta escapar. Entre as nossas pulsões interiores, os arquétipos que cá dentro vivem e as contradições inerentes à condição humana — como tratamos cada uma delas, e porque é que há sempre uma, e normalmente sempre a mesma, que ganha.
Dois pesos e duas medidas é o nome da intervenção site-specific de Daniel V. Melim, concebida para a vitrine do espaço MEL, na quarta mostra da iniciativa conjunta das galerias Monitor e Lehmann, no espaço Earlymade Cedofeita. Daniel V. Melim, jogando com as escalas dos participantes na sua pintura, destaca a perpétua competição intrapessoa, oscilando entre a festa e a primal sobrevivência.
BLACK BOX
A riqueza pictórico-escultural do ouro de Lucía Vallejo
Polissémicas são as obras de Lucía Vallejo, nas suas transmutações, nas suas envolvências alquímicas, nas suas readaptações metamórficas implicadas pela matéria cambiante. A matéria, para a artista, é uma eterna redescoberta de processos, contaminações, ordenando um fluxo continuado de transferências orgânicas em sistemas simbólicos ideativos. Nada na sua obra nos remete para um continente intransitivo da rigidez, pois se, paradoxalmente, numa primeira percepção, as peças podem estar sujeitas à aparente acalmia, uma delongada observação entenderá nelas uma elementar irrupção do acontecimento transiente de uma mudança inesperada, ilimitada e indefinível pela procuração racional de observação. Joseph Beuys num texto repleto de intuições antroposóficas, denota no processo artístico uma necessária gesteigerte wahrnehmung (percepção aumentada) de forma a encontrar um espaço medial entre a intimidade espiritual e rudeza material externa. Vallejo torna indestrinçável o processo simbiótico da fusão destas duas metades aparentemente tão contrárias já que tão sistematicamente reiteradas pela sua unicidade irredutível. Dos opostos nasce uma germinação indutiva de um certo caminho prodigioso, onde as contrariedades sensoriais, materiais, racionais se enovelam numa densa atmosfera condensada pelo impulso da prevalência à resistência da rigidez.
A resiliência da matéria na sua persistência espacial e na sua emergência autónoma enquanto retrato da sempiterna conceptualização da sua compactação, estruturação e definição formal é posta em causa pela positiva e modelarmente afectiva mudança operada por Vallejo, em que pelo reconhecimento formalista da matéria que se engloba, se inscreve, se insere, se implica, se indica numa programação não-retentiva, todos os pressupostos são cancelados a favor da deviniência do inusual. A sua actuação na matéria deriva de uma formatação compósita de infinitos sistemas variegados de trabalhá-la, de forma a nela impor um tracejado cartográfico da pulsão desejante de modelar as modulações dos relevos, das arestas, do miolo, das texturas, num todo absolutamente irreconhecível. As obras em tela são resquícios derivados da acção cruciante de trabalhar a matéria pictórica, desobstruindo o caminho da tridimensionalidade de forma a sugerir prevalência na outrora bidimensional estratégia de executar pintura: ambivalência conceptual. Se Rosalind Krauss designa a escultura moderna num campo expandido, teremos por inerência metodológica de reforçar a pintura de Vallejo como pintura num campo expandido: pintura como exponenciação escultórica, como desdobramento tridimensional da ideia rebatida da planificação. Pela pintura-escultura a artista reinventa topologias e ambiências de relevos, sulcos, planaltos, aluviões, expressões geológicas e geográficas numa representação de acidentes matéricos ínsitos na pintura hipertrofiada. Ritmos ondulantes, gestualidades cravadas no tecido da tela como desvios irregulares dos vórtices desenfreados das impressões deixadas pela artista na pele exposta à voragem do evento, em objectos não necessariamente anamórficos, mas simplesmente dedutivos de uma formação em constante (en)formação. Evidência mais do que mimética da natureza, já que as obras não reproduzem a instância reprodutível da imagem natural, mas trazem em-simesmas a essência de transmutação da própria natureza, da sua germinação enquanto criadora contínua de revezamentos cíclicos.
Lucía Valllejo implica nestas obras uma leitura interpretante relacionada com a simbologia do ouro e da sua importância para as culturas indígenas, nomeadamente a pré-colombiana na região montanhosa de Sierra Nevada. A artista diz-nos que mais do que um elemento precioso, o ouro é pressentido como um elemento sagrado capaz de estabelecer a mediação entre as esferas cósmicas e as forças telúricas, pois visto como luz tornada matéria. Daí que todas as peças em exposição sejam banhadas a folha de ouro, como representação condutiva da energia transmitida entre esferas, polarizando a fertilização simbólica das matérias. Não será por acaso que podemos observar as diferentes tonalidades lumínicas do ouro, desde a mais rutilante e sumptuosa riqueza do amarelo (força vital) até às instâncias resvaladiças e atenuadas de um mais obscuro cobre (fragilidade e transitoriedade da vida): cosmologia fundacional intermediando a imanência e a transcendência, no reconhecimento de afinidades temporais, pois se a iluminação simbólico-preciosa do ouro nos leva para uma ancestralidade de elevada persistência mítica, há um lado barroco explorado por Vallejo na exploração matérica e formal das peças exibidas. Tanto nas formatações do vidro de Murano, simulando o aspecto irregular da pérola, na sua envolvência luxuosa e repleta de volúpia, como especialmente nos tecidos amarrotados, amarfanhados através de forças implacáveis que representam analogamente os pregueados – as dobras enleadas em sequencialidades indefinidas e ilimitadas multiplicidades de curvaturas dos panejamentos escultóricos trabalhados por Antonio Corradini ou Giuseppe Sanmartino na aplicação de uma cobertura metamórfica sobre a pele velada – observamos um acto condutor de reforço luminoso da polivalência da riqueza. Sumptuosamente e majestosamente anfractuosos são os panejamentos pictóricos de Lucía Vallejo na incongruência do seu propósito, numa pintura executada para ser hapticamente envolvida no toque sensorial da escultura, numa tonalidade pensada para tecer redes de ínfimas fluidezes da riqueza matérica-poética do objecto simbolicamente de devoção/ostentação.
Rodrigo Magalhães
Opening Saturday May 17
from 4 to 8 pm
EARLYMADE CEDOFEITA
Rua do Rosário 235, 4050-524 Porto
MEL (a collaborative project by Monitor, EARLYMADE Cedofeita, and Lehmann) is pleased to present its third event, works by Daniel V. Melim (Coimbra, Portugal, 1982) and Lucía Vallejo Garay (Bilbau, Spain, 1975).
VITRINE
The lightness of suspension implies being under the bond of gravity, a leveling agent that treats us all the same. Objects level out through the outstretched air, and everything is subjected to the same force and rules. Which isn’t always the case, not even when we are under our own yoke.
Having two weights and two measures is just the opposite; it’s throwing away impartiality and rules, creating differences where they don’t exist. It’s having a double standard, taking a pair of elements and putting its participants in contrast to see how the competition can develop; whether by scale, by a determined moral axiom, or any other determinant — and betting on who will win, David or Goliath.
An opportunity then arises to analyze, within ourselves, our inner drives, the archetypes that live inside of us, and the contradictions inextricable to the human condition: who is the attacker, and who is trying to escape? How do we deal with each of them? Why is there always one of them — and usually always the same one — that wins?
Two weights and two measures is the title for the sitespecific intervention in the Earlymade Cedofeita vitrine by Daniel V. Melim, developed for the fourth exhibition in the MEL space, the joint initiative of Monitor and Lehmann, in the Earlymade Cedofeita space. Daniel V. Melim, playing with the scales of the participants across his painting, highlights the perpetual intrapersonal competition, oscillating between the celebration of human nature and primal survival.
BLACK BOX
The pictorial and cultural richness of Lucía Vallejo’s gold
Lucía Vallejo’s works are polysemic, in their transmutations, their alchemical involvements, their metamorphic readaptations implied by changing matter. For the artist, matter is an eternal rediscovery of processes, contaminations, ordering a continuous flow of organic transfers into symbolic ideational systems. Nothing in her work takes us back to an intransitive continent of rigidity, because if, paradoxically, on first perception, the pieces may be subject to an apparent calm, prolonged observation will reveal in them an elementary irruption of the transient event of an unexpected change, unlimited and indefinable by the rational demand of observation. Joseph Beuys, in a text rich in anthroposophical intuitions, denotes that the artistic process requires gesteigerte wahrnehmung (heightened perception) in order to find a medial space between spiritual intimacy and external material rudeness. Vallejo makes the symbiotic process of the fusion of these two seemingly opposing halves indistinguishable, as they are so systematically reiterated by their irreducible oneness. From the opposites springs an inductive germination of a certain prodigious path, where sensory, material and rational contradictions tangle in a dense atmosphere condensed by the impulse to prevail over the resistance of rigidity.
The resilience of matter in its spatial persistence and autonomous emergence as a portrait of the perpetual conceptualisation of its compaction, structuring and formal definition is called into question by the positive and affective modelling change operated by Vallejo, in which through the formalist recognition of matter that is encompassed, inscribed, inserted, implied and indicated in a non-retentive programming, all assumptions are cancelled in favour of the becoming of the unusual. Her action on matter derives from a composite formatting of infinite variegated systems of working it, so as to impose on it a cartographic trace of the desire to model the modulations of the reliefs, edges, core, textures, in an absolutely unrecognisable whole. The works on canvas are remnants derived from the harrowing action of working the pictorial material, clearing the path of threedimensionality in order to suggest prevalence in the once two-dimensional strategy of executing painting: conceptual ambivalence. If Rosalind Krauss designates modern sculpture in an expanded field, we must inherently methodologically reinforce Vallejo’s painting as painting in an expanded field: painting as sculptural exponentiation, as a three-dimensional unfolding of the two-dimensional surface plane. Through paintingsculpture, the artist reinvents topologies and ambiences of reliefs, furrows, plateaus, alluvial fans, geological and geographical expressions in a representation of material accidents inherent in hypertrophied painting. Undulating rhythms, gestures carved into the fabric of the canvas like irregular deviations from the unbridled vortices of the impressions left by the artist on the skin exposed to the voracity of the event, in objects that are not necessarily anamorphic, but simply deductive of a formation in constant form(ing). Evidence that is more than mimetic of nature, since the works do not reproduce the reproducible instance of the natural image but carry in themselves the essence of nature’s own transmutation, of its germination as a continuous creator of cyclical turns.
In these works, Lucía Valllejo implies an interpretive reading related to the symbolism of gold and its importance for indigenous cultures, particularly preColumbian cultures in the Sierra Nevada Mountain region. The artist tells us that more than a precious element, gold is perceived as a sacred element capable of mediating between the cosmic spheres and the telluric forces, since it is seen as light turned into matter. This is why all the pieces on display are bathed in gold leaf, as a conductive representation of the energy transmitted between spheres, polarising the symbolic fertilisation of materials. It’s no coincidence that we can observe the different luminous shades of gold, from the most lustrous and sumptuous richness of yellow (life force) to the shifting and attenuated instances of a more obscure copper (fragility and transience of life): foundational cosmology mediating between immanence and transcendence, in the recognition of temporal affinities, because if the symbolic-preciousness illumination of gold takes us to an ancestry of high mythical persistence, there is a baroque side explored by Vallejo in the material and formal exploration of the pieces exhibited. Both in the formatting of the Murano glass, simulating the irregular appearance of the pearl, in its luxurious and voluptuous structure, and especially in the crumpled fabrics, wrinkled through relentless forces that analogously represent the pleats – the folds entangled in indefinite sequentialities and unlimited multiplicities of curvatures of the sculptural cloth worked on by Antonio Corradini or Giuseppe Sanmartino in the application of a metamorphic covering over the veiled skin – we observe a conductive act of luminous reinforcement of the polyvalence of wealth. Lucía Vallejo’s pictorial cloths are sumptuously and majestically anfractuous in the incongruity of their purpose, in a painting executed to be haptically involved in the sensory touch of the sculpture, in a tonality designed to weave networks of minute fluids of the material-poetic richness of the object symbolically of devotion/ostentation.
Rodrigo Magalhães
